“Electricmegablack” lleva por
título el segundo álbum completo de los madrileños Mad-Era,
lanzado en los últimos compases del pasado año. Trío creado en el
2014 y cuyo debut homónimo, vio la luz en el 2017.
Creo sinceramente que, al escuchar esta
formación, no se puede decir que haya salido de nuestras fronteras,
a todas luces parece que pertenezca a un país que poco o nada tiene
que ver con el nuestro.
Su música es un heavy que se acerca a
menudo o a veces al power metal y se mezcla con algunas influencias
dispares y contemporáneas (industriales, alternativas…). ¿Qué
bandas podrían servirte de referencia? Pues, aunque no formen parte
de sus influencias o entre sus componentes puede que no cuenten con
su aprobación, diría que en ciertos momentos, mantienen unas pizcas
de ANNIHILATOR, PANTERA, ALICE IN CHAINS, NINE INCH NAILS… Si bien
sus comienzos parecían más crudos y encaminados al género stoner,
la evolución musical que han tenido a lo largo de los dos años que
les separa de un disco a otro, les ha llevado hasta estos poco más
de tres cuartos de hora.
Las diez canciones que nos vamos a
encontrar en esta obra, son variadas y directas, con un sonido actual
y potente, que se ha currado principalmente Robert Navajas (letrista,
cantante y guitarra del grupo) y se ha masterizado en los Tower
Studio.
“Facebreaker” es demoledor,
contiene unos riffs de guitarra con un sabor muy a lo Dimebag
Darrell/Zakk Wylde y una aplastante base rítmica, formadas por el
bajista Alex J. Alvarez y el batería Luis Aguirre, que muestra las
tablas y experiencia de los miembros que componen MAD-ERA. Este tema
en concreto, ha sido elegido para aparecer en videoclip, campo en el
que han sido productivos, pues también han realizado lo propio para
otros como “Melt” (que dura más de ocho minutos por cierto, pero
no es nada aburrida y posee bastantes cambios de ritmo), “Ambitious”
o el lyric-video “The Power of Healing”, que es un corte al que
precede la intro “Grief” y con el que finaliza este
“Electricmegablack”. Por último, tampoco me olvido de
“Addiction”, con esas palabras al inicio que le dan un toque
desenfadado y que es sin duda, uno de mis preferidos y mucho de ello,
tiene que ver con las líneas de voz. Lo cierto es que su vocalista,
juega un destacado papel durante todo este trabajo. Las letras son
algo oscuras, ácidas y humanas, teniendo que ver con la época
coetánea que nos está tocando vivir (y eso que todavía no se había
desencadenado al completo el asunto del covid-19).
Interesante obra pues, al que deberías
darle una oportunidad si lo que te gusta es el metal de verdad y de
aquellos maravillosos 90. No tan clásico o casposo como el de sus
vecinos 80, pero siempre diferente, efectivo y disfrutable al 100%.
Hoy, nos adentramos en la reseña del segundo álbum de Daeria, ALTER.
Lo primero que hay que destacar, sin adentrarnos en desgranar los cortes de este disco, es que
éste último trabajo ha sido completamente grabado, mezclado y masterizado por la propia
banda, cosa que no carece de esfuerzo, ganas y talento… tres virtudes que no faltan a esta
banda barcelonesa.
En rasgos generales, este disco es más cañero que el anterior, FENIX, con guitarras más
contundentes e intensas. ALTER, viene dividido en 8 cortes.
Abre el álbum el tema “Miedo”, una canción que se nota la elaboración que lleva detrás…
arranca con un riff de guitarra muy bueno y se desarrolla con unas melodías fantásticas.
Continúa con el segundo corte, “El ojo de Aughra”, en el que el bajo toma algo más de
protagonismo y el sonido toma un cariz algo más oscuro, con guitarras más potentes y un
sonido más envolvente. Inspirado en el mundo de Jim Henson y su “cristal oscuro”, quizás es el
tema más mágico del disco y que a mí, personalmente, más me ha cautivado.
Si tenemos que hablar de la balada por excelencia, de la balada que no podía faltar… esa es
“Parte de ti”, un baladón al más puro estilo del heavy “ochenter” que tanto nos gusta… Sonido
acústico y delicado al principio para ir rasgándose a lo largo del tema. Lo dicho, UN BALADON.
Justo después de la suavidad y el sentimentalismo, nos encontramos con el corte “Horus”,
tratando mitología egipcia, en el que rompen radicalmente la suavidad con una guitarra al más
puro estilo Groove metal, mucho más dura y con el registro vocal de Ángel, demostrando que
es capaz de unir fuerza y melodía sin despeinarse.
“Siete Mares”, el corte más pirata de este trabajo, un tema que continúa con la dureza y añade
más velocidad. La batería se sale. Con esta canción parece que Daeria nos quiere terminar de
dejar claro cuáles son su intenciones y cuál es el camino que han elegido para esta nueva etapa
de la banda. Surcar los siete mares en el barco del éxito, viento en popa a toda vela.
Y, sin vergüenza ninguna, saltamos al último corte, “Hielo”. Acaban el disco con un golpe en la
mesa y el ceño fruncido. Toques progresivos, riffs potentes y cubiertos de cierta oscuridad,
pero manteniendo los ingredientes del heavy metal más clásico, para hablarnos sobre el
asperger.
No hemos hablado de la portada, una ilustración creada por el batería Joel Marco de
JMDESIGN. Oscuridad, miedo… miedo mirado de frente y con valentía. Un trabajo muy
estudiado e impecable. Portadas trabajadas como ésta, cada vez son más difíciles de
encontrar.
Éste álbum demuestra que Daeria están en buena forma, que sus intenciones son claras y que
van por el camino correcto. Han dado un giro a su estilo para adentrarse en un heavy metal
más potente para nuestro deleite. Voz cuidada y perfecta, guitarras contundentes, batería
marcando ritmos veloces, un bajo con cierto protagonismo y menos teclados, hacen de Daeria
una banda a la que no hay que perderle la pista ni un segundo.
Death & Legacy ha vuelto y con cambio de voz, Hynphernia que da un toque mas potente a este disco.
Son ocho los cortes que forman “Inf3rno”. Es un álbum que se escucha fácil y lo que es peor que se queda corto y te deja con ganas de seguir disfrutándolo, para nuestra suerte podemos reproducirlo en formato bucle y escucharlo infinitas veces.
Pray es el tema encargado de abrir el disco donde la potencia y la furia emana por todas las partículas del disco.
Salvation lo que nos sorprende las corales media canción y como la instrumentación cambia de ritmo para adaptarse a los dos tipos de voces.
Hellfire es la cuarta pista de este “Inf3rno”. Comenzando con mucha garra, sinceramente la voz de Hynphernia es muy desgarradora, expresa a la perfección lo que representa el disco.
Algo que nos llama especialmente la atención es que en varios temas como puede ser en Dead Soul , pista que se encuentra en el ecuador del disco, aquí escuchamos de fondo la voz de Isra Ramos cantante de Avalanch, esto le da un toque personal donde la voz gutural y la voz melódica forma un conjunto espectacular.
Es muy complicado escoger un tema para definir lo que es este disco, Death And Legacy es eso fuerza y superación. SI escuchamos las canciones que cierran el disco Carnage; PC494 e In time apreciaremos que esa esencia no la pierden y continúan con esta dinámica durante todo el disco.
Creo que este plástico es una evolución de la banda y un gran paso hacia delante, espero que lleguen lejos y sigan trabajando así. Una de las cosas buenas que tiene este Ep es que los temas no son excesivamente largos, ninguno supera los 5 minutos.
Hoy, desde tierras toledanas, nos llega el último trabajo de Nocturnia, cuyo título ya nos da ciertas pistas de lo que podemos encontrar una vez nos sumerjamos en sus melodías, "La Tempestad".
Nos encontramos bastante variedad de estilos dentro de su propio sonido, que tira más hacia una mezcla entre el heavy y el power metal más clásico, pero, en temas como “Tempestad” y “Héroes de bronce”, nos topamos con guturales y sonidos mucho más oscuros que nos van a poner las pestañas del revés.
En el tema “Negro Sentimiento”, el vocalista Alberto Symon, demuestra que su voz no es una voz cualquiera. Y que junto al resto de la banda, siguen luchando por conseguir un muy merecido reconocimiento a nivel nacional.
Como buena banda de Heavy Metal, no podía faltar un medio-tiempo como “Ahora que no estás”, baladón por antonomasia de los que dentro de unos años diremos: “las mejores baladas de la historia las hacen los Jebis” y “ya no se hacen baladas como éstas”.
Tenemos otros dos temazos, cumpliendo con su estilo más habitual: “Hijos de la derrota” y “Solo un instante”, heavy metal, sin aditivos, directo y claro. TOTAL!
El disco termina con “Soy la tormenta”, un tema que coge un poco de cada, mezcla estilos aquí y allá, agita un poco… y voilá! Temazo al canto.
Nocturnia es una banda hecha a sí misma, tras varios cambios en su formación, han evolucionado y madurado hasta alcanzar un nivel envidiable y ser merecedora de encontrarse entre las bandas mejor valoradas del panorama nacional. A ver si la justicia es justa y lo consiguen.
No os voy a contar más, si queréis sacar vuestras propias conclusiones y conocer el resto de temas de los que se compone este trabajo… tendréis que escucharlo! No os vais a arrepentir. La tempestad arrecia y no hay refugio posible.
Blindpoint, banda que nace en Lleida en el año 2014 pero que esta compuesta por miembros con una clara y larga trayectoria, la veteranía musical es un hecho, nos presentan su primer álbum "Through The Ashes Of Life" (A través de las cenizas de la Vida). Aunque hace algún tiempo que recibimos el disco y los datos de la banda por parte de Pep Mu, andamos algo rezagados por el gran volumen de trabajo que nos llega y la falta de colaboradores, que ya sabéis, se sufre en este mundillo.
Este disco esta compuesto por siete temas nuevos, grabados en Nomad Studios de Lleida y masterizados por Jacob Hansen en Dinamarca. Se puede decir que es un disco un tanto conceptual en el que "narran" varias historias cuotidianas sobre el ser humano y su existencia desde la perspectiva del camino hacia su propia tumba. Este trabajo ha sido completamente auto editado y la presentación del digipack es digna de cualquier discográfica profesional.
Si no conoces el sonido de Blindpoint es muy probable que a simple vista, puedas pensar que hacen un metal más de corte clásico, incluso para ser más exactos un heavy metal más clásico, pero la sorpresa te la llevas en el momento en que introduces el disco en tu reproductor y empiezas a escucharlo. Desde ese instante, por lo menos es lo que a mi me pasó, te preguntas, ¿pero esto que es?. Si, siendo complemente franca las primeras notas de "Last Breath" se me hicieron verdaderamente extrañas. Lo que hace Blindpoint es difícil de describir. Su música es bastante intensa pero muy melódica, con unas voces guturales y limpias un poco en la lejanía, en la ultratumba, quizás restándoles importancia pero remarcando su presencia a cada instante. Se puede decir que su sonido es bastante moderno aunque complicado de etiquetar, muchos dicen que están dentro del Groove Metal, otros que tienen pinceladas de Metalcore más actual y yo añadiré que en ocasiones hay pasajes que me recuerdan al Black Metal más clásico. Quizás para los oyentes habituales de metal internacional, yo en mi caso suelo escuchar más nacional, sea mucho más fácil realizar comparaciones en cuando a sonido yo me abstendré porque he sido incapaz de realizar ningún tipo de comparación, creo que lo que hacen es bastante único y no apto para todo tipo de público, sobre todo los más conservadores. Este hecho dota a Blindpoint de una cualidad que no todos los músicos tienen y es que hacen lo que quieren como quieren y con una larga experiencia a sus espaldas.
Volviendo a "Last Breath" remarcar que la presentaron en forma de videoclip y que podéis verlo en Youtube. "We don't Care", segundo corte de este redondo, es un tema algo más calmado y quizás de los que poseen un sonido más "clásico", aunque en la misma línea podemos hablar del tema "Thrive", con unas guitarras más que destacables que pueden recordarte a formaciones internacionales de renombre. "Rain of Ashes" quizás sea el tema más potente y duro de todo el disco a nivel instrumental. A nivel voces, siendo algo que sucede en varias ocasiones durante la escucha del disco, es el tema en el que más se nota este punto, imposible seguir las letras. Con "Time-space paradigm" volvemos sumergirnos, a pesar de la singularidad de la música de esta banda, en sonidos que nos recuerdan a pasajes de bandas internacionales como pueden ser As I Lay Dying o incluso In Flames (he investigado), esta última algo más presente en otros temas del disco.
Para finalizar nos quedan "The Ancient Track" y "Difret", dos temas con características particulares. En el primero se pueden encontrar pasajes de H.P. Lovecraft y además fue presentado en forma de lyric vídeo. Un corte muy singular al que hay que presentarle cierta atención. En el segundo, "Difret" han contado con voz femenina, Andrea Menal fue la encargada de darle vida a la letra de este tema que habla sobre la libertad de la mujer, es una especie de llamamiento en contra de las agresiones. La letra esta basada además en una historia real.
"Through The Ashes Of Life" es un disco de alto nivel, con un trabajo de fondo muy evidente y sin nada que pueda considerarse "de relleno". Con este álbum Blindpoint han dado un golpe de efecto en su carrera musical, aunque he de decir que no lo considero apto para aquellos rockeros más conservadores, hay que tener la mente muy abierta para poder saborear esta nueva obra de los catalanes.
Hoy vengo a presentaros a la banda Zeit y a su álbum debut Into The Vacuum. Estos chicos almerienses se encasillan dentro de la etiqueta "Groove Metal" aunque claramente podríamos hablar de toques Stoner, Thrash o de Rock más clásico. Una cosa a destacar es que la banda ha cuidado muy bien su imagen, tanto a nivel digital (redes sociales, bandcamp, etc.) como a nivel físico (portada del disco). Incluso podríamos hablar de la originalidad de su biografía, expuesta de forma novelada contando una historia, es digna de leer, os la recomiendo, la tenéis disponible en su página de Facebook, en la sección de información.
Pasemos ahora a centrarnos en Into the Vacuum, un disco cargado de potentes guitarras y voces rasgadas. Ocho temas más bien de duración corta, directos y potentes. Zeit han creado una obra compacta, sin un exceso de florituras, recordando a un Groove Metal más bien de corte clásico de los 90, aunque con guitarreos que en ocasiones nos llevaran a un sonido más típico del Stoner Metal. La portada es obra del ilustrador Abel Fernández y el álbum fue grabado, mezclado y masterizado por Paul White.
Abriendo el disco nos encontramos con Golden Chains, un tema que entra de forma directa y cañera, denotando desde el segundo uno el gran trabajo de sonido que tiene este disco. Este corte deja bien claras cuales son las intenciones de Zeit y que es lo que hacen y como lo hacen. Voces rasgadas y "rotas" muy notables y las cuales nos acompañaran durante todo el disco.
Continuamos con Blood Diamonds, con una intro un tanto más suave que marca territorio con una base rítmica muy densa. Seguimos en la misma línea, un tema sin grandes adornos que de nuevo deja entre ver esa esencia Groove metalera noventera. Le sigue Stab in the Back, de nuevo entrando de forma directa con guitarreos algo más Stoner y sin mucha tregua ya que enseguida nos topamos de nuevo con la velocidad y el sonido que hasta ahora nos habían ofrecido. Si hay algo que puedo decir llegados a este punto es que el disco en general esta muy bien empastado, tanto a nivel instrumental como vocal, se nota que los temas han sido trabajados y encarados a un fin muy claro.
Si hemos estado hablando en todo momento de temas directos y potentes pues Not God, Not War se lleva la palma. Pura fuerza y rabia representadas en una canción. Estando ya en el ecuador del disco, Zeit sigue defendiendo su contundencia y buen hacer. La versatilidad de las voces se hace muy notable y el sólo de guitarra le confiere un toque muy distintivo. Continuamos con Darkness Ways, de nuevo con una intro más pausada para dar paso a pura velocidad. Seguimos en la misma línea, puro Groove metal mezclado con toques Stoner y sonidos algo más rockeros. En ocasiones me recuerdan a otras bandas de la escena española como pueden ser Grapeshot, podrían congeniar bien en un concierto musicalmente hablando.
The Haunted llega con una voz un tanto más agresiva y menos rasgada al principio, cosa que de nuevo nos recuerda la gran versatilidad de voz que tiene Sir Beljerick. Un tema veloz y con mucha potencia e incluso diría que fácil de recordar, el ritmo se te mete en la cabeza cuál virus cerebral. Los siguientes cortes son Denied y Masterchild, el cuál cierra el disco. El primero ofrece quizás los ritmos más pegadizos del todo el álbum, incluido su estribillo y Masterchild, nos deja un poco impresionados al ofrecer una pequeña distinción en el sonido de sus riffs, a mi personalmente me han recordado más al típico sonido del Thrash metal aunque sin desviarse mucho de la esencia principal del Groove.
Resumiendo todo lo dicho, Into The Vacuum de Zeit es un disco muy compacto. Ocho temas que siguen todos una misma línea, sin variedad ni florituras, muy centrados en su apuesta por el Groove Metal de los noventa. Sin duda, todavía quedan grandes amantes de la esencia más vanguardista de este estilo y discos como el de Zeit podrán tener su cabida entre ellos. Por el contrario, los seguidores del estilo pueden estar tranquilos ya que siempre habrán bandas que apuesten por este tipo de sonidos.
El pasado domingo 20 de septiembre tuvimos la oportunidad de asistir a la rueda de prensa que Somas Cure ofreció con motivo del lanzamiento de su nuevo trabajo La Colmena. Un disco que viene cargado de la esencia de Somas Cure, resumida en 12 temas con un alto potencial. El álbum más largo de su carrera y en el que han introducido alguna que otra cosita novedosa a nivel compositivo y musical y con el que me han dejado muy sorprendida para bien.
Pero antes de realizar mis comentarios quiero explicaros que pudimos escuchar en dicha rueda de prensa y que nos contaron los chicos de Somas Cure. Regentaron la presentación Borja (guitarrista), Txema (vocalista) y Darío (baterista), acompañados de los chicos de la agencia Black Heaven, Charly y Nadher. Dicha rueda de prensa se realizó de forma online mediante la aplicación Discord, la cuál no conocía y me pareció muy interesante para este tipo de eventos. Creo que este sistema podría empezar a incluirse en próximas presentaciones o ruedas de prensa, es una forma de acercarlas a todos aquellos que no estamos en Madrid o no disponemos de representación de nuestros medios allí. Y no hablo de que pasen a hacerse así exclusivamente, si no de que, a parte de presenciales, puedan incluir este sistema para los de fuera, son cosas 100% compatibles. Gracias a ello asistimos medios de distintas partes de España.
Lo primero a lo que hicieron referencia fue al aplazamiento de la salida del disco. Aclararon que dicho aplazamiento no ha sido debido al Covid, que por suerte en esto no se han visto afectados, aunque si en alguna que otra fecha de directo que se ha cancelado o aplazado, si no que fue una decisión tomada con anterioridad para dar tiempo y presentar los temas de uno en uno, dándoles el protagonismo que merecen.
Tras la presentación, el primer tema que nos pusieron fue Salto de Fe. Este corte lo lanzaron en noviembre de 2019 acompañado de un videoclip que podéis ver en el canal de Rock Estatal Records. Salto de Fe, es un tema con mucho peso en lo que es el sonido del álbum aunque un poco atípico, de hecho dudaron mucho de si lanzarlo como primer single. Nos contaron que en un principio los acordes pensados para la voz eran mucho más abiertos y que terminó siendo algo muy distinto a la idea inicial. Aquí aprovecharon para mencionar a Andy C., encargado de la producción y la parte técnica de la grabación del disco, el cuál les ayudó a tomar decisiones como esta, lanzar o no, este tema como single.
Las primeras preguntas empezaron a llegar. La compañera de Metal Korner quiso saber más sobre la inspiración de sus letras y sobre las dos facetas de Somas Cure, temas más encarados a lo social y temas más encarados a lo personal.
Ante esto los chicos de Somas Cure respondieron que de cara a los concierto siempre es bueno realizar canciones más reivindicativas, una temática que suele llenarles, pero que en este disco han recuperado la parte más intima con temas como Balas de Plata o El Cuerpo. Txema comentó que ha intentado hacer letras sin maquillar, más viscerales, que cuenten historias. Nunca han creído que sus canciones vayan a cambiar algo pero que si sus letras pueden llegar aunque sea a una persona, ya es mucho.
Llegó el turno del segundo tema, La Plaga. Este corte lo lanzaron en el mes de mayo de este mismo año con un lyric vídeo muy interesante en el que hacen referencia a algunos de sus trabajos anteriores, lo tenéis disponible en su canal por si os apetece echarle un ojo. Con este corte demostraron lo que ellos mismos dijeron, hacen lo que les apetece. Plaga es uno de los temas más cañeros del disco, ellos mismos lo definieron como "caña elegante", más que nada porque lo último que querían era parecer una banda de death metal así de repente.
Llegados a este punto Subterraneo Webzine preguntó sobre la gran variedad que hay en las voces a lo largo del disco e hizo algún que otro matiz. Ante esto Txema respondió que les gusta meter las diferentes voces en el punto exacto y no porque sí. También comentaron que con el paso del tiempo desaparecen muchos prejuicios y que se hace todo por y para el tema, no lanzando todas las ideas en todo momento. La idea de "no puedo hacer esto" se pierde con la experiencia y el paso del tiempo.
Rock in Spain, hizo referencia a si cuando acaban un disco revisan el % de guturales y si tienen la sensación de que los fans de Somas Cure piden esos guturales. Su respuesta fue que no suelen llevar la cuenta, pero que inconscientemente si que buscan un equilibrio. Buscan que las canciones tengan su propia personalidad, que sean diferenciables entre si aunque formen un todo. Además remarcaron que ellos creen que sus seguidores prefieren que sean sinceros con lo que hacen. Somas Cure fueron muy directos al comentar que nunca analizan lo que hacen y que han conseguido lo que son a día de hoy por simplemente ser ellos mismos, tanto a nivel personal como en su música. Reconocieron que Eter les sirvió para conseguir su posición actual y que fue un trabajo nada analizado.
Cede la Piel fue el tercer corte escogido para que escuchásemos. Este tema mezcla melodía y caña a partes iguales. Nos contaron que fue el corte más difícil de hacer y que es un claro guiño a la etapa de Eter, sobre todo a nivel cuerdas. Desde Metal Korner les preguntaron con un toque de humor, "¿Sabíais que iba a haber en medio una pandemia?", un poco haciendo referencia a su cambio en la idea del lanzamiento, que os comentaba al principio y también a alguno de los temas de La Colmena como son La Plaga o La Cura. Explicaron que nada estaba hecho aposta, que todo ha sido una casualidad del destino y que les ha ayudado en parte a ganar tiempo ante la catástrofe de los conciertos.
También les preguntaron que temas les había gustado más componer y cuales les habían costado más. Salieron a la palestra temas como Balas de Plata, Iglesia de Humo en el que han incluido partes electrónicas, El Cuerpo o Bandera Negra y prácticamente todos por su dificultad a la hora de realizarlos. Curiosamente los temas que más les gustan coinciden con los más difíciles a nivel compositivo.
Otra pregunta que salió en este punto de la rueda de prensa fue que tal había sido la experiencia de grabar con Andy C. Todos respondieron al unísono que ha sido una experiencia brutal ya que Andy C se define solo por su trayectoria y trabajo, han aprendido mucho de él y les ha guiado en más de una ocasión durante todo el proceso.
El siguiente corte que escuchamos fue Mi Mejor Mentira, uno de mis favoritos del disco, por cierto. Este es el último tema que han estrenado y el que más dista del resto del disco. Su composición se hizo con una guitarra acústica y fue un trabajo de definición total que claramente podría haber sido englobado dentro del pop. Fue una canción más trabajada de forma clásica, cosa a la que no están nada acostumbrado, nos dijeron. El compañero de Rock In Spain tras esta escucha los comparó con Héroes del Silencio, cosa que no se habían planteado pero que agradecieron y que incluso se pararon a pensar, confesando que si, que muy probablemente había similitudes, al fin y al cabo todos los músicos se inspiran en otros músicos, muchas veces sin darse cuenta.
Txema nos contó que con este tema le costó un poco grabar las voces porque no llegaba a las notas como él quería hacerlo y como anécdota añadió, que por primera vez después de comer, rompiéndole todos sus esquemas ya que él no suele comer los días que tiene bolo o grabación, consiguió grabar de forma magistral lo que quería.
Desde Goetia hicieron referencia a que las voces melódicas de este disco suenan menos teatrales y más melancólicas y no tan "ñoñas" y preguntó si era algo que habían buscado adrede. Txema respondió explicando su evolución a nivel voz y remarcando que cuando uno canta no necesariamente tiene que estar cantando si no expresando lo que cantas.
También preguntaron sobre si el arte de los solos se esta perdiendo y sobre porque han vuelto a trabajar con Carlos Santos para la mezcla. Ante esto respondieron que los solos están bien para enriquecer los temas pero no el hecho de meterlos por norma, sólo si el tema lo requiere. En cuanto a la mezcla fueron claros y directos, no querían arriesgar y como ya habían trabajado con él antes y les gusta, no dudaron en repetir.
Los dos temas que cerraron la rueda de prensa fueron completamente exclusivos. El Cuerpo y Bandera Negra. En el primero, los teclados son obra del propio Txema y el segundo es obra de un "reto" que ellos mismos se impusieron, hacer algún himno, con coros épicos, para poder cantar con el publico en los conciertos. Desde mi punto de vista lo han conseguido, es un corte que va a gustar mucho y va a ser coreado en los conciertos como ellos mismos buscan.
Como últimas coletillas de la rueda de prensa se les preguntó por el hecho de que si alguna vez se habían imaginado llegar a donde han llegado, a lo que respondieron que nunca lo pensaron. Sólo eran 5 amigos de instituto con una aspiración y sueños e ilusiones. Todo ha sucedido en una progresión en el tiempo, poco a poco y con buena letra.
Anunciaron también que tienen pensado lanzar un documental para Youtube. Contará con unos 7 u 8 capítulos de entre 11 y 15 minutos de duración. Estará disponible de forma gratuita y podremos ver a los chicos de Somas Cure en momentos de sus giras, grabaciones y momentos más personales. Esto lo hacen un poco para mostrar lo que realmente son y como son. Pretenden lanzarlo antes de que acabe el año y estos 7-8 capítulos pueden ser ampliables si tienen material suficiente.
Para finalizar desde EME les lanzamos una pregunta que teníamos en mente desde el principio y otra añadida. La primera fue, ¿Por qué ahora un disco tan largo? haciendo hincapié en que hoy en día no es algo muy común, los discos suelen ser más bien cortitos, como mucho de 10 temas. Y la segunda fue ¿a pesar de ser tan largo se ha quedado algo fuera?.
Los chicos nos respondieron que no ha sido algo premeditado, únicamente que durante sus grabaciones anteriores siempre les coincidía de gira y que esta vez pararon para componer y eso ha sido una ayuda a la longitud. La Colmena fue su única ocupación mental durante un tiempo. Gracias a su larga duración, les ha permitido llevar a cabo la presentación tema por tema que están realizando. En cuanto a lo de quedarse algo fuera dijeron que si pero no, es decir La Colmena esta completo pero siempre tienen temas en marcha para futuros trabajos.
Como resumen de todo esto quiero añadir que ya he tenido ocasión de escuchar el disco al completo y que Somas Cure ha conseguido una obra maestra desde el principio hasta el final. Han conseguido un poco lo que buscan, aunque es un disco que forma un todo e irradia pura personalidad del sonido de Somas, cada canción es única. Cuando tengáis ocasión de escucharlo comprobareis la gran versatilidad de voces, los diferentes registros de Txema, puestos estratégicamente donde toca en cada parte. Notareis esa pequeña evolución en cuanto a la expresión de los temas, así como un trabajo instrumental muy elaborado. Una mezcla de caña y melodía muy bien ejecutada por parte de todos su miembros. Sin duda es un disco muy recomendable, digno de prestarle atención y saborearlo a cada nota. Descubrir todos los matices de La Colmena es un placer para los sentidos.
Y ya para finalizar, muchas gracias a la banda y Black Heaven por invitarnos al evento y por el trato recibido.
Hoy toca hablar del disco de Arenia, “La Voluntad De las Estrellas”. No muchos grupos saben cómo explicar la mitología, y los asturianos la cantan estupendamente.
En esta ocasión cuenta la vida de Heracles y cómo fue su vida, su enemistad con Hera y los trabajos que ésta le puso en su camino. Si nos fijamos en la portada y contraportada son una imagen donde el semidios está a lomos de Pegaso intentando matar a la Equizna, no tiene desperdicio el contemplar la imagen.
Este trabajo cuenta con diez temas y un bonus track de la pista El Último Aliento, pero traducido al inglés y cantando Markus Pohl y al bajo Henning. En la versión española cuenta con la colaboración de Dani G.
Metamorfosis abre este disco, es una intro muy del estilo de los asturianos, donde se puede escuchar un águila representando al dios Zeus. A continuación, empezara a sonar el segundo corte Alcanzar El Sol, c con ese toque de power metal muy característico comienza la “ópera” y la representación del mito de Heracles
Su tercer tema, Retando A La Eternidad, cuenta con un video lyric/videoclip, que podemos disfrutar en su canal de youtube. Este grupo siempre le da ese toque al video lyrick que te dejan mirando fijamente a la pantalla.
Con El Último Aliento ya comienzan a cobrar vida más personajes y a interactuar más. Aquí colabora Dani G. y Markus Pohl.
Otra cosa característica de esta saga de discos es la secuencia de El Camino De Hiperbórea III, en si disco anterior “El Atardecer De Los Sueños” encontraremos las dos primeras partes. Estos temas constan solo de una guitarra y la voz. Son temas muy cortos que rondan el minuto, minuto y medio.
Además de esta colaboración encontramos a más músicos reconocidos como Isra Ramos, Lady Ani, Marcos Rodríguez, estas voces las podemos encontrar juntas en el tema más largo del disco Sigue La Leyenda, es un tema donde prestarle atención. Otra colaboración es en la canción Mirando Al Mar tenemos a la coral joven de Gijón. Imaginar lo que debe costar el juntar a todos estos músicos para grabar este disco. En Volver A Empezar también encontramos a Nathan Cifuentes, es un gran despliegue de gente.
En este álbum podemos encontrar unos riffs de guitarra muy pegadizos que se te cuela en la cabeza y se quedan en modo bucle.
Lo que me gusta de este grupo es su ambición y como dan voz a cada personaje, podríamos decir que sus discos son una especie de “ópera rock” donde cada dios, semidios tiene su sitio y espacio.
Es un disco muy cuidado y que supera muchas expectativas. Con riff de guitarra muy cuidados, las baterías muy medidas y la voz adecuada para este estilo. A los amantes del power metal os gustara este disco o este grupo y a los que nos gusta la mitología nos sirve para descubrir historias nuevas.
“The Grim Reaper” es el primer EP de los gallegos “No one alive”, que se estrenan con una ambiciosa propuesta, ofreciendo un producto audiovisual muy completo. Los cuatro temas que componen este lanzamiento forman una obra conceptual que nos sumerge en un western oscuro y sangriento.
Desde el primer tema ya saboreamos ese ambiente con “The Grim Reaper”. Se trata de una intro calmada, con guitarras acústicas que sirven de colchón a una melancólica melodía de piano que consigue meterte en su mundo. Al final de la pieza una voz haciendo funciones de narrador, nos sirve como prólogo de la historia.
El segundo tema es “No one alive”, que comienza con una base rítmica pesada y un punteo con aroma a rock sureño que ayuda a recrear esa atmósfera. El tema rompe con un riff con mucho groove, pero se desarrolla sobre otro riff muy cañero en el que la voz nos canta la historia. El estribillo es directo y coreable, siendo ideal para los conciertos. La canción sorprende con un breve interludio donde el bajo coge protagonismo, hasta que vuelve a ganar intensidad acabando muy arriba. Muy buen tema.
Le sigue “Save Your Soul”, que al principio incorpora efectos de sonido como soporte narrativo para meternos más aún en la historia. Este tema tiene riffs más agresivos y un desarrollo musical más complejo, con unos solos de guitarra interpretados con muy buen gusto.
Cierra la obra “Devil Right Hand”, el tema más largo y que arranca con una estructura más cercana al heavy metal clásico, pero con unos riffs igual de contundentes. Es en la segunda mitad de la canción, tras un buen solo de guitarra cuando el tema se vuelve más épico, coge impulso y desemboca en un final con mucha fuerza.
Los cuatro temas que componen “The Grim Reaper”, dejan con ganas de más, y para solucionarlo, el EP viene acompañado de un cómic ilustrado por Juan Juste, que narra la historia de las canciones. Este detalle sorprende y da un valor añadido a la edición física. Es de agradecer cuando una banda quiere ofrecer un extra a su propuesta musical, teniendo en cuenta que a esto suele implicar un incremento de la inversión inicial difícil de asumir en este nivel. Pero viendo el resultado final de “The Grim Reaper”, los componentes de “No One Alive”, pueden estar muy orgulloso. Estaremos atentos a futuros lanzamientos.
Desde Barcelona nos llega “Delusions of Reference”, el primer trabajo de Thy Omen. Se trata de un EP de cuatro temas con una propuesta musical que bebe del metal clásico, pero que incorpora elementos progresivos. Se ha grabado en Playground Studio, y ha sido producido por Marco Papiz.
El primer tema “Falling into Oblivion”, empieza con una sección acústica y de voces melódicas que va creciendo hasta romper en un riff de corte clásico que acompaña la melodía principal. La canción sigue ganando intensidad hasta llegar a un estribillo épico y pegadizo, que se ve reforzado por unos coros que aportan fuerza.
Le sigue “Rühmlich", un tema de más de 10 minutos de duración, que no se hace pesado en ningún momento. Tras una intro formada por varios riffs que combina cambios de ritmo y de tempo, la voz nos acompaña en un pasaje más tranquilo que puede recordar a sonidos de bandas ochenteras. De nuevo nos encontramos con un estribillo pegadizo y coral, algo que en realidad está presente en todo el EP. También hay que destacar el buen trabajo de guitarras en la parte solista, con riffs y melodías armonizadas con buen gusto.
A contrapié parece que entra el tercer tema, “The efemeral sound of black smoke”, con un riff un tanto extraño que descoloca a la primera escucha. Sin embargo, posteriormente desarrolla una estructura con un sonido heavy clásico, y un potente estribillo marca de la casa. Si a esto le añadimos unos solos de guitarra muy bien ejecutados, nos encontramos ante un tema muy redondo.
El EP lo cierra “Sweets for the sweet”, una canción que empieza con una melodía evocando sonidos orientales, que estarán presentes durante todo el tema. Aquí también encontramos muchos cambios de ritmo complejos, pero siempre manteniendo una continuidad dentro de la estructura de la canción.
En definitiva, estamos ante unas composiciones con un nivel instrumental alto, y que a pesar de tener una duración bastante extensa (el tema más corto dura 5:58 minutos), son bastante accesibles. En este tipo de género normalmente necesitas más de una escucha para quedarte con las canciones, pero Thy Omen ofrece unos estribillos y melodías que entran a la primera, sin perder la complejidad en la estructura de las canciones, y eso es algo difícil de conseguir. Por ponernos quisquillosos, quedaría margen de mejora en la parte vocal, pero no es algo que devalúe el conjunto de “Delusions of Reference”. Muy buen trabajo.
Gridhole es una banda de Madrid que se define como Prog y Djent. La agrupación nos presenta
el EP Bipolar Feelings con una producción de lo más interesante.
Canciones con ritmos muy marcados que hacen querer moverte con ellos, con combinaciones
rítmicas interesantes. Muy brutales, no es un grupo con el que nos vayamos a dormir. Cabe
destacar que su sonido, a pesar de esa potencia, es bastante accesible. Si no estás acostumbrado a este género musical, es un buen álbum por el que comenzar.
Instrumentalmente podemos encontrar riffs muy pesados y pegadizos, duales breves pero efectivos, con transiciones bien pensadas y ejecutadas, una batería contundente con dobles pedales muy dinámicos, un bajo con mucho movimiento... Si bien la voz es puramente gutural, podremos escuchar ciertas partes con voz melódica.
El EP comienza con la Tetro , una intro, que sin duda nos anticipa lo que está por venir, para
dar paso a Beyond the Light, con un dual riff y unos ritmos de lo más interesantes. Podemos
destacar los sintetizadores que le dan una atmósfera muy cautivadora a la canción.
Justo después nos encontramos con Tireless Warrior, un tema que desde el primer segundo
comienza de una forma muy contundente y brutal. Con unos adornos de guitarra al más puro djent,
no podemos dejar de mencionar los breakdowns que desde luego no pasan inadvertidos. Una
voz muy agresiva y enérgica, solos de guitarra épicos muy bien ejecutados, sintetizador de
fondo que le da fuerza a la canción sin hacerla nada pesada. De esta canción es muy interesante la dinámica, puesto que si bien antes hemos mencionado que es un corte muy enérgico y brutal, también incluye una parte instrumental muy bien integrada, directa pero efectiva, en la que escuchamos un solo de bajo destacable, con unas progresiones de guitarra que parecen de otra canción muy diferente (que funcionan bastante bien) y una batería que acompaña perfectamente a los instrumentos, también dinámica, para finalmente terminar a una velocidad de vértigo.
La siguiente canción es Unbreakable, cuyos riffs se te van a quedar en la cabeza. Sin duda un tema en el que se escucha claramente lo compactados que suenan todos los músicos, si es que antes había dudas de ello.
El penúltimo corte del EP es Break the Rules, una canción que no permite dejar de moverte.
Con una intro que empieza con la guitarra y la batería a un volumen más bajo, nos anticipan que muy pocos compases después empieza lo bueno. Canción muy interesante en lo que respecta a la rítmica. En vivo puede ser de las más disfrutables, ya que estructural y musicalmente es un tema que le puede gustar a un público que no acostumbra a escuchar este género dentro del metal.
La sexta y última es Applied Bipolar Feelings. Gridhole se despide con una canción
dura y veloz, con una batería muy completa y un uso del doble pedal muy acertado. Este tema presenta partes instrumentales en limpio con una voz melódica, aunque predomina la agresividad pura.
Bipolar Feelings está muy pensado desde la composición hasta el momento de la producción. Se nota que está muy trabajado y todo el esfuerzo invertido. Sin duda podemos apreciar que en esta agrupación hay músicos muy prometedores.
Guturales de infarto, muy agresivos que acompañan perfectamente las instrumentales, guitarras
muy técnicas, baterías dinámicas y brutales, bajo que no se hace monótono y técnico... todos
muy bien complementados.
Si buscas brutalidad, ritmo, euforia... este álbum no te dejará nada indiferente.
Constituidos en 2015, con la idea de realizar un estilo fuera de lo corriente, alejado del alcance de cualquiera y sin verse etiquetado o encasillado en uno u otro género, llega el primer disco de los afincados en varias comunidades Outreach.
Hay que ver el nivel que consiguen algunas bandas de nuestras fronteras y que por una maldita razón o por otra, no consiguen despuntar en el extranjero. Esperemos que estos chicos no se conviertan en otra formación más de la lista.
Con una producción y sonido aplastante, fruto de una grabación y mezcla en los The Metal Factory Studios con Alex Cappa y Pablo Rousselon (Frequency, Bridge to Nowhere, Juggernaut…), sumado a una calidad técnica más que notable, desfilan los diferentes temas uno tras otro, que completan el álbum debut y triturador de estos Outreach que lleva por título “Ephemeral Existence”.
Death melódico, progresivo, metalcore, sinfónico… ponles la etiqueta que más te guste, porque lo son todas al mismo tiempo o ninguna, el caso es que eso poco o nada importa porque la clase de la música habla por sí misma.
Recomendaría esta obra a los seguidores del metal actual, con guitarras y base rítmica demoledoras, riffs entrecortados, enrevesados… capitaneados por una mezcla contrastada entre voces melódicas o rasgadas con otras guturales principalmente, aunque no son todas las que podrás encontrar a lo largo de los surcos de este disco. ¿Qué a qué pueden sonarte? Pues aunque a muchos no les guste o no quieran mojarse, yo humildemente podría decir que a veces tienen similitudes con Lacuna Coil, o Periphery, otras veces con Gojira…
Uno de esos grupos que anda en continúa búsqueda y evolución, dinámico, variado, con una mezcolanza de partes tranquilas con otras contundentes. Te saltará a la cara y dará una buena bofetada cuando escuches canciones como “Not an Animal” que abre el álbum, “Delusion” para la que incluso han rodado un videoclip, el single “Insane Mind”…
Los dos últimos cortes, vienen catalogados como bonus tracks, de hecho fueron mezclados por el finlandés Samu Oittinen (Korpiklaani, Insomnium, Diablo…) en sus Fantom Studio de Tampere y a pesar de que el sonido es algo diferente, no desentonan en absoluto. De ellos elegiría “Empty Path”, por sus momentos pegadizos pero cañeros al mismo tiempo. Las letras al parecer se apoyan en parte, en la metáfora del hilo del mito greco-cretense de Ariadna.
El disco salió el pasado mes de abril a través del sello Nooirax Producciones (Back to R’lyeh, Obskkvlt, Teething…) con portada de Iñigo Arr (bajista de The Descent). La formación en este trabajo estaba compuesta por Nines Bathory y Diva Satánica a las voces, Tony Liz y Rafa Howler a las guitarras y Carlos Vivas a la batería.
Lo dicho, buen futuro y calidad a raudales que no te defraudará si gustas de las nuevas corrientes, dentro de eso que llamamos música metal.
“Suevia” es el más reciente trabajo de los vigueses Aquelarre, el cual contiene diez canciones de power/heavy metal con el sabor de sus tierras, que llega de la mano de Duque Producciones (Herejía, Nocturnia, Xeria…) y que sirven como continuación de su anterior álbum, lanzado en 2016 y que llevaba por título “Tempo”.
Algo más de tres cuartos de hora es lo que te llevará escuchar la nueva obra de este sexteto gallego, que recientemente ha estado de gira junto a los germanos Iron Savior y los italianos Dragonhammer, en donde posiblemente los hayas podido ver si acudiste a alguna de sus citas en nuestra península.
Son una veterana banda nacida en 2007 y “Suevia” es su tercer disco, que en esta ocasión dedican a Galicia, su cultura, con diferentes historias y personajes, en el que encontraremos toques celtas y folk (así es queridos lectores, no sólo Mägo de Oz puede y sabe hacerlo con estilo) y más agresividad y contundencia que en anteriores entregas.
También estrenan nuevos componentes (Ramón “Nyxel” Viqueira, guitarrista y Cristian Marco teclista) que acompañan a su fundador Cristóbal Otero a la guitarra, David Castro a la batería, Ramón Rodríguez al bajo e Icko Viqueira a las voces, quien realiza una destacada labor (mezclando diversos registros como guturales, agudos, rasgados…).
Arropados por un sonido bastante notable, grabado por Zoilo Unreal (Mileth, Unreal Overflows, Dioivo…) en sus Unreal Studios de Marín (Pontevedra), comienzan a desfilar los diferentes y variados temas que forman este trabajo, caso de “Galicia 19”, de extensa duración y que hace referencia a dos hermanos enfrentados en bandos separados durante la Guerra Civil o el mismo “Suevia”, con sus letras en gallego (como no podía ser de otra manera) y relata una revuelta en el siglo XV contra la nobleza. Igualmente “Tu Gitana”, es un corte que les ha quedado de fábula, sin duda uno de mis favoritos, una canción popular del cantautor portugués José Zeca Afonso y difundida por el grupo de música celta/folk de La Coruña, Luar na Lubre, mientras que con “Jakobsland”, nos traen el power metal de tono más tradicional a ritmo de desembarco vikingo.
Por otra parte “Romansanta”, les ha servido de adelanto y habla sobre un asesino en serie que se cree un hombre-lobo; para el vídeo han trabajado con Henry Menacho, quien no para en la escena, englobando ya un palmarés extenso en los que figuran Donuts Hole, Débler o Noctem entre otros muchos.
Tercer disco en la cuenta de Aquelarre y estupenda portada de Ana Alonso (quien ya realizara la de su anterior obra), más maduro y enriquecido en cuanto a nivel compositivo, sin imponerse límites pero sin perder su esencia; a pesar de lo cual debo decir honestamente, que no ha conseguido engancharme del todo. Espero que a lo mejor a ti sí ya que, hay que reconocer que merecen reconocimiento por su tremenda calidad y esfuerzo.
Desde Alicante cae en
nuestras manos y se abre paso hasta el alma LUMINARIA, con su primer
disco de larga duración: HIMNOS DEL DESENCANTO. Diez temas de un
Rock bien trabajado y muy asequible para cualquier oído, con
estribillos pegadizos y letras bien cinceladas.
“El Mecanismo”
nos embarca en una atmósfera de sonidos envolventes que poco a poco
evolucionan en riffs más pesados y contundentes, destacando las
atrayentes melodías del teclado.
El segundo
tema,“Inercia”, nace con un místico teclado que da paso a
unas guitarras, cuyos primeros riffs y arpegios nos recuerdan al
sonido de El Maestro Juan Valdivia, y desembocan en un
estribillo con mucha garra.
Desde la intro
“Cuarentena” capta nuestra atención y nos introduce en su
juego de contrastes, que seguiremos viendo en temas posteriores.
“Lo Imposible”
tarda solo un poco más, dejando claro en las primeras lineas y
compases que será un tema lleno de positividad y muy pegadizo.
De nuevo con unos
teclados comienza “Donde Tantos Duermen”, y poco a poco
evoluciona a sonidos mas densos y un estribillo crudo. Sorprende el
solo de guitarra y la posterior parte locutada para, finalmente,
cerrar con el estribillo.
“La Carne y la
Tierra” es un cañonazo de riffs agresivos, destacando tambien
la voz, desgarrada en ocasiones, y las melodías del teclado.
Tras una intro calmada ,
“Banderas Negras” sigue la linea del tema anterior, con
riffs pesados, voces desgarradas y melodías de teclados
escalofriantes e inquietantes.
Volviendo al juego de
contrastes de los primeros temas, “Solo Algunas Veces”
destaca por su peso emocional y sensación de anhelo en la letra. Una
canción con la que es difícil no empatizar.
Unos arpegios acompañados
de batería y teclados abren “Un Veneno Llamado Esperanza”,
que sigue manteniendo el sello de la banda, con unas estrofas más
calmadas que evolucionan de forma muy dinámica en estribillos con
fuerza y, por supuesto, teclados imprescindibles.
Y llegando a la última
parada de nuestro viaje, “Amanecías...”, de nuevo,
manteniendo y mostrando su estilo, es la guinda perfecta para cerrar
el circulo perfecto.
En resumen, un sólido
trabajo de diez canciones, bien estructurado y muy fácil de
escuchar. En su sonido se advierten influencias, como Heroes del
Silencio, pero estas no llegan a opacar su sello propio. A titulo
personal, me costó hacerme a su sonido, particularmente sentía la
voz poco dinámica, pero tras un par de escuchas profundizando,
algunos temas y sus mensajes acabaron calando en mi y el grupo se
complementa y empasta perfectamente.
Desde Cuéllar
(Segovia) llega el tercer disco completo de Hijos de Overón, que
tras una pausa de casi tres años desde la salida su última obra
“Camino de Piedras”, decidieron lanzar estos once nuevos cortes
llenos de melodía y potencia a finales del pasado 2018.
Lo primero que notas al escuchar el
último trabajo hasta el momento de este quinteto, es el pedazo de
sonido que han logrado aquí, fruto de su nueva colaboración con Dan
Díez (Dünedain, Death & Legacy, Zenobia…) en sus Rock Lab
Studios de Haro en La Rioja, con el que de una manera o de otra, han
contado en sus ediciones previas.
Raúl Álvaro a las voces, Álvaro
Méndez a las teclas, Fernando López al bajo, Diego Sanz y Joni
Cantera a las guitarras y como nueva incorporación a la batería,
otro Fernando (y con el mismo apellido por cierto, López) que
sustituye a Carlos Gómez, quien grabara el anterior material de la
banda, son los cinco componentes que forman Hijos de Overón.
Creados en 2007, el heavy/power metal
es su ley y es que en este “Salvaje” suena más trabajado y con
más fuerza, gracias y según ellos mismos, a la improvisación en el
estudio con lo que han ganado enteros y han dado más frescura a los
temas. En ellos, destaca el papel de su cantante, el de ambos hachas
(solos, riffs…), los teclados envolventes y una base rítmica
decisiva. A lo mejor no es un álbum directo, no es retorcido o
extraño aunque me temo que no es de esos que entran a la primera.
Eso sí, después de sucesivas escuchas encontrarás detalles,
cambios de ritmo… que puede que te sorprendan y enganchen.
Las canciones son bastante variadas,
puedes encontrar desde cortes cañeros como “Sin parar de nadar “o
“Un nuevo día”, medios tiempos con letras emotivas como “Por
siempre”, baladas como “Bajo la lluvia”… por cierto para la
que han rodado un videoclip con Henry Menacho y Kronic Producciones
(Xeria, Oker, Débler…) con quienes repiten. También cuentan con
algunas colaboraciones, como es la de Carlos Nano Sanz (Dünedain) en
“La luz perdida” o “Tu poder”, que lo hacen con Chapi Solla
la vocalista de Natribu, Ernesto Arranz de Zenobia a los teclados e
incluso un solo del propio Dan Díez (Tierra Santa). A veces podrán
recordarte a formaciones nacionales como Centinela, Wild, Avalanch…
pero siempre manteniendo una identidad particular, la cual se han
forjado durante estos años a base de actuaciones, ensayos y
esfuerzo. En cuanto a las letras, tocan asuntos coetáneos y
atemporales, emocionales, como la pérdida de seres queridos,
relaciones, el bullying…
“Salvaje” cuenta con una porta de
Estela García (quien igualmente ya realizara la de “Camino de
Piedras”), es autoeditado y sin duda su obra más destacada hasta
la fecha; así que si te gusta el heavy/power metal con letras en
castellano, teclados y melodías chulas, harás muy bien en darle una
escucha y añadirlo a tu colección.
Después de tocar un sinfín de conciertos incluyendo varios países europeos (vuelven en Octubre)
en los últimos años, Stained Blood se ha forjado una buena reputación en los circuitos
underground gracias también a obras de calidad como este “Nyctosphere”, su más reciente
lanzamiento.
Si cerrara los ojos y escuchara este grupo, sin duda diría que no pertenecen a nuestras fronteras.
El sonido es totalmente profesional y las voces son de un nivel notable, algo de lo que pecaban
muchas de las bandas de los 90 que además, aunque no fuese lo más importante y en el resto del
mundo también sucedía en numerosas ocasiones, poseían una pronunciación de inglés bastante
desastrosa.
"Nyctosphere" es otro álbum que pone en circulación el sello Blood Fire Death (Vidres a la Sang,
Barbarian Swords, Nuckin' Futs...), también de procedencia catalana como el conjunto que nos
ocupa y es que aunque Stained Blood, posee una buena mezcla de estilos extremos, no son para
nada la típica formación aburrida y predecible con un par de variaciones y poco o nada más que
ofrecer.
Tras algunos cambios en el núcleo de sus filas y una evolución, que ha dejado de lado en gran
medida el deathcore que practicaban en sus primeros trabajos, en este tercer disco que ha tardado
en fermentarse cuatro años (“Hadal” contaba como su última referencia), nos obsequian con seis
cortes de generosa duración en más de tres cuartos de hora, de los que disfrutarás si gustas del
black/death metal con pequeños retazos melancólicos y tranquilos.
La escuela sueca es su mayor influencia y tanto el registro de las voces como sus melodías dan
buena muestra de ello, escucha sino canciones como “Century to Suffer”, en el que no sólo el
acelerador está pisado a fondo sino que posee acertados cambios de ritmo y variedad en su
composición. Por si no fuera suficiente,”The Lightless Walk” nos muestra ese lado más atmosférico
con una pequeña incisión en terrenos doom metal, que no hace sino añadir más ingredientes
enriqueciendo así su fórmula. Igualmente destacable es “Shrines of Loss”, con unos
recomendables riffs de guitarra y un destacado papel a los parches. Líricamente hablan de la
muerte, el miedo, inseguridades y reflexiones a ella y a la existencia propia.
Javi Bastard (Graveyard, Ered, Foscor...) se ha encargado de la grabación, mezcla y masterización
en sus Moontower Studios (este chaval no para) y el colombiano Jaime Gomez Arellano (Mayhem,
Paradise Lost, Hooded Menaced...) de la masterización en sus Orgone Studios de Inglaterra.
Portada de Narcis Boter, vocalista del grupo, al que acompañan David Rodriguez y Miquel
Pedragosa a las guitarras, Raúl Urios al bajo y Salvador D'Horta a la batería.
Poco más que añadir, si sigues la carrera y te gustaron los anteriores álbumes de Stained Blood,
este nuevo "Nyctosphere" nos deleita con un ligero cambio en el que abandonan las influencias
modernas y las sustituyen por clásicas de la década de los 90. Harás muy bien en darle una
oportunidad.
HELEVORN, grupo formado en 1999 en Mallorca, con reconocimiento internacional, nos presenta
su cuarto álbum de estudio, 'Aamamata', casi una hora de Death/Doom Metal con atmósferas y
armonías oscuras y melancólicas, letras desgarradoras y cuidadas con mimo y ya desde la portada (toda una declaración de intenciones), muchas referencias al mar. Sin entretenernos mas, comenzamos.
“A Sail to Sanity” nos embarca en esta aventura de forma muy absorbente, pues desde un inicio los riffs pesados y lentos y la desgarradora voz, así como las partes melódicas y las lineas del teclado nos dejarán prendados.
Con una intro acústica arranca “Goodbye, Hope”, donde se une la voz melódica, armonizada a
partir de la entrada de las guitarras eléctricas, creando un sonido muy atmosférico en contraste con el gutural de ultratumba que se irá alternando conforme avanza el tema.
Llega con un sonido mas oscuro y melancólico, manteniéndose melódico en la mayoría del tema
salvo al final, “Blackened Waves”. Antojándose más accesible a cualquier oído, no sorprende que
fuese elegida como primer single y video.
“Aurora” se abre paso a partir de una exótica intro en la que destaca la primera voz femenina que
escuchamos en el álbum, tras ello, un interesante juego entre voz gutural, narrada y melódica
acompañado de un instrumental firme y lento como en los cortes anteriores.
Turno del tema más rápido, “Forgotten Fields”, con una dinámica intro de guitarra, aparece en
seguida el gutural que mas adelante dará paso a un estribillo melódico. Tras esto el ritmo frena y
guitarra y teclado marcan una linea de sonido exótico hasta recuperar la energía del inicio.
“Nostrum Mare (Et Deixo un Pont de Mar Blava)” arranca con solamente un teclado y narraciones
en distintos idiomas del poema de M. Martí i Pol, el cual ya había sido transformado en música por
Lluis Llach en 1993. Adquiere ritmo a partir del estribillo, ya cantado sin el mas mínimo atisbo de
gutural, y destaca en la segunda mitad del tema la voz femenina con destellos flamencos y exóticos y el posterior solo de guitarra sencillo pero lleno de sentimiento.
“Once Upon a War” comienza con un riff pesado y una voz melódica en contraste con el
instrumental mas escalofriante durante las partes guturales y aunque estructuralmente no es posee la complejidad de las canciones anterior y siguiente, funciona perfectamente como puente entre ellas.
Comienza el tema mas largo e intenso del album, “The Path to Puya”, con un teclado al que tras el
primer minuto se le unirá el resto del grupo intercalando, una vez mas, partes guturales con
melódicas. En la segunda mitad un solo de violoncello frenará el ritmo dando paso a la melodiosa
voz femenina de Heike Langhans, vocalista de DRACONIAN que contrastará con el enérgico solo
de guitarra y se unirá a la voz de Josep cerca del final del tema.
Por último y para cerrar el album, “La Sibil-la”, una versión de la cancion medieval del S.X que aún
hoy día se interpreta de forma tradicional en la Misa del Gallo en las iglesias de Mallorca. Casi
íntegramente acústica y sin atisbo de gutural, no es hasta pasada la mitad de la canción cuando
aparecen las guitarras eléctricas y la batería para complementar la melodía que hasta ese momento sostenían guitarra acústica, teclado y voz.
En resumen, un gran disco con canciones en general sencillas pero prácticas, destacando las
estructuras, el sonido y por encima de todo la composición. A titulo personal es un grupo al que no
había prestado la atención que veo que merecen y me han enganchado desde el principio. Espero
que vosotros podáis disfrutarlo como yo.
Tracklist:
1. A Sail to Sanity (05:25)
2. Goodbye, Hope (05:59)
3. Blackened Waves (05:27)
4. Aurora (07:25)
5. Forgotten Fields (05:45)
6. Nostrum Mare (07:28)
7.Once Upon a War (05:56)
8. The Path to Puya (08:39)
9. La Sibil-la (05:05)
Miembros de Helevorn:
Josep Brunet – Vocals
Samuel Morales – Guitar
Xavi Gil - Drums
Enrique Sierra – Keys
Sandro Vizcaino – Guitar
Guillem C. M – Bass
Sexma nace en Burgos a finales del mes de marzo de 2003 y escogieron dicho nombre por una de sus definiciones "la sexta parte de algo", ya que al ser cinco integrantes consideran a su música como el sexto componente.
Finalistas en concursos como Musikadero, Txomusika Elkartea, Rock en frío, Radio Utopia, Alburquerquerock, Real Festival 2010 y Berrirock 2011 y ganadores del primer concurso de maquetas Asekas patrocinado por la Caixa y del Rock en Vivo en Burgos en tres ocasiones.
Han grabado dos maquetas "La sexta esencia" y "06" y tres discos "Ciudad de Dite" en 2008, "Hexánime" en 2012 y "Ulterior" en 2014. Este último, del cual vamos a hablaros hoy, ha sido grabado en los estudios Cube, producido de nuevo (ya que también produjo su anterior trabajo) por Alberto Seara (Hamlet, Sober, Mago de Oz...) y masterizado en DNA Mastering Studios (Los Angeles) por David Donnely (Aerosmith, Red Hot Chilli Peppers, Blink 182, KISS, sLASH, Motley Crue...), el cual sale a la luz el pasado 6 de marzo de 2015 con Gato Encerrado Records como distribuidor.
Y después de mostraron la imagen de lanzamiento que incluye la portada, la cual me parece que tiene un diseño muy logrado y oscuro, dando un poco de idea de la dureza y crudeza de las composiciones aunque su sonido rock-metal difiera en ello, os muestro el tracklist:
1. Ulterior
2. Embrión
3. Lo que Nunca Fue
4. Mi Némesis
5. Efímero
6. Horizonte
7. Cohibido
Se puede decir que Ulterior es la obra maestra de Sexma a día de hoy, la mejoría en cuanto a sonido tanto instrumental como de voz es más que notable. Claramente al escuchar las primeras notas de Ulterior te hacen recordar a bandas tan míticas como Sober, pero creo que las comparaciones son odiosas ya que soy de las que piensan que cada grupo tiene su propia identidad y personalidad y solo hay que escuchar con atención para encontrarlas.
En general Ulterior tiene unas partes instrumentales muy elaboradas y trabajadas y la voz de Igor se une a ellas en una completa armonía. Con un sonido limpio, en unos temas envolventes y llenos de matices dando protagonismo a sus melodías aunque sin dejar en el olvido ese sonido metal que sale sin lugar a dudas de las guitarras de Gonzalo y Edgar. Y no hay que olvidar la base rítmica, Iván a la batería y José al bajo han conseguido crear la base perfecta para dar a este disco una atmósfera ideal al metal moderno que Sexma fabrica.
En definitiva, es un trabajo completo donde los burgaleses han demostrado que si se quiere se puede y que la mejora musical siempre es posible. Sin duda Sexma te enganchara si es que no lo consiguió antes con su anterior álbum Hexánime.
Y pasamos a las partes a destacar.
Sin mucha duda por mi parte me quedo como primera opción con el tema Ulterior. La intro melódica y con subida escalonada le da un toque de misterio a la apertura del disco (sin saber si esa intro precisamente se puso ahí para abrirlo o fue pura casualidad). Es un tema potente, con unas guitarras muy metaleras y que suenan muy claras, perceptibles sin esfuerzo, casi pudiendo acariciar cada una de las notas con tus propios dedos. Una carta de presentación excelente.
Como segunda opción me quedo con el tema Lo que Nunca Fue. Se puede decir que es el tema más relajado del disco y esto hace que se le de especial protagonismo a la voz de Igor ayudándote a que puedas centrarte un poco más en el mensaje de su letra. Te eriza la piel, su mensaje es desgarrador, "de que me sirve tenerlo todo si todo hace sentirme solo" y todo esto sin llegar a ser el típico sonido de balada, ya que esta realizada a un medio tiempo con pequeñas subidas pero sin llegar a la caña del resto de temas.
Y como ultima opción me quedo con Horizonte aunque he dudado mucho con el tema que cierra el disco Cohibido ya que su apertura es verdaderamente potente pero creo que Horizonte tiene un sonido un tanto más clásico en comparación al resto del disco y eso lo hace distar. Además de que el solo de guitarra, el cual se inicia casi en el silencio y en soledad bajando el tempo a mínimos, es brutal y si un solo de guitarra es capaz de llamar mi atención de esta forma, el tema merece ser elegido como de los mejores, siempre bajo mi punto de vista.
THIRD DIM3NSION es una banda Madrileña con un estilo claramente dentro del power metal pudiendo incluso llegar a recordarnos a bandas como Helloween o Gamma ray.
Fundada en el 2006 por Miguel Ángel (vocalista) al que se le sumaron José (bajista y coros) y Sergio Vasco (guitarrista). Con tres EPs a sus espaldas Y siendo el ultimo "Ray of light", con el cual consiguieron grandes criticas conseguidas.
En 2012 fueron seleccionados para participar en el festival Granitorock de Collado Villalba, junto a otras bandas ganadoras del certamen y apadrinadas por Tierra Santa y Jorge Salán.
Han compartido escenario en diversas salas de Madrid entre
otros con Lujuria, Santelmo, Centinela, Nova Era…
En 2014 Jorge Baeza (guitarrista) se une a su formación y graban su primer disco "Where the dragon lies" del cual vamos a hablaros hoy.
Al igual que la imagen de la portada, ya que ese dragon en pose de ataque da una sensación de energía y vitalidad, han conseguido crear 10 temas potentes para este álbum debut.
1 - Intro
2 - Ray of light
3 - Tree of light
4 - Insane
5 - Darkest paradise
6 - I´am the gun
7 - The colour of the sign
8 - Revelations
9 - The edge of the sword
10 - Welcome too
En mi primera escucha de Where the Dragon Lies la sensación fue de estar escuchando a una banda de power metal de corte claramente internacional, si no hubiera sido porque sabia que tenia en mis manos un cd de una banda española, adivinarlo hubiera sido ardua tarea. Third Dim3ension han conseguido despertar mis sentidos al 100% para poder disfrutar de esta obra maestra dentro de un power metal clásico, aunque sin olvidar del todo ese toque clásico del heavy metal, pero eso si, en pequeñas pinceladas. El sonido es completamente limpio, no hay aglomeraciones ni sonidos que puedan parecer estridentes o como a veces suele pasar que estén fuera del conjunto. Los punteos de guitarra casi son perceptibles y las voces de Miguel y Jose son impecables y harán las delicias de los oídos más "internacionales" sin duda. Además a pesar de la duración de alguno de los temas es un disco que no se hace pesado ni repetitivo, pero claro, supongo que al que no le guste este estilo no se le cumplirá esta condición. Como pega, aunque no importante, al ser un disco de power me falta la balada por excelencia, esa balada que dista siempre del resto del disco. Por todo lo demás creo que han conseguido un buen trabajo y que incluso suena mejor que algún que otro álbum de bandas internacionales.
Para destacar de este disco, me quedo con el segundo tema del disco o el primero en este caso ya que el tema uno es una intro. Creo que Ray Of Light define a la perfección lo que es Where de Dragon Lies. Un tema enérgico y cañero, con un gran sonido de batería junto a su doble bombo, además de unos riffs de infarto que unidos a la voz te hacen incluso recordar "viejos tiempos". Me parece el tema ideal de apertura.
Como segunda opción, sin duda, Insane ya que desde los primeros segundos se puede notar la vibración que desprenden las notas de la guitarra. Y con el sonido de la batería consiguen hacernos levantar del asiento sintiendo ganas de alzar los brazos y gritar a su compás. Además este tema tiene un solo breve de batería que llama la atención y da paso al solo de guitarra que aunque no sea uno de los más rápidos y destacables del disco consigue erizarte la piel,
Y por último... "Yo soy la pistola" o "I´am the gun" es el track mas cambiante ya que al principio parece que va a ser "la balada" pero no es así, su cambio de tempo repentino lo demuestra en décimas de segundo. Aunque es cierto que casi todo el tema transcurre en un ambiente tranquilo, con toda la instrumentación bien organizada, con un gran control de cada uno, casi perceptibles por separado, no se puede considerar como tal. La presencia de la guitarra es desgarradora en este tema con riffs precisos y acordes largos, y un gran solo de unos 40 segundos, digno de ser escuchado con atención, ya que sin duda es lo que más me gusta de este tema. Además la voz, igual que en el resto de temas, es un punto clave.
En definitiva este CD no tiene desperdicio alguno, suena increiblemente bien, sin dar señales de que sea su primer LP. Third Dim3ension, sin duda lo han conseguido, una obra maestra dentro del Power metal más que destacable.
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